- Cinco piezas artísticas unidas con una misma finalidad: tocar el alma de los espectadores y construir juntos un nuevo horizonte sobre la humanidad
Por Fernanda Trinidad
CDMX. ¿Alguna vez has pensado en subastar una coreografía contemporánea? ¿o quizá en ver colores cuando la oscuridad se apropia de tus ojos? ¿o en el remolino de incógnitas que tienen los niñes para decir “quiénes son”? No, no son preguntas ficticias. En realidad, podrán ser resueltas por uno mismo a través de la presentación de las bellas artes que llegan a los teatros de la Ciudad de México en este mes.
El Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, en conferencia de prensa, recibió el jueves 7 de julio de 2022 a la primera actriz Teresa Selma en celebración a sus prontos 92 años de vida y su homenaje en la función El consultorio de la Dra. Spellman. El Teatro Ciego fue otro de los festejados al cumplir 15 años en promover la inclusión de personas con discapacidad visual y lo hizo en manos de la presentación Cartografías de la memoria de la directora Myrna Moguel.
Así mismo, la soprano mixe, María Reyna, acudió a la próxima sede que será testigo de su primer disco Orgullosa Soy Raíz, bajo la dirección de Joaquín Garzón. El co-director de Flores TeatroDanza, Alejandro Chávez Flores, con la puesta Ni tan chico, ni tan lejos, y la directora Ana Patricia Farfán con su propuesta La subasta del mov., no pudieron faltar en este festín cultural que espera con los brazos abiertos al público en general durante los próximos días.
Curando vidas por medio de la actuación
Después de 58 años de haber dado su primera función con la obra Cada quién su vida del dramaturgo Luis G. Basurto, la actriz venezolana Teresa Ramos Aponte, mejor conocida como Teresa Selma, regresa a los escenarios del Teatro de la Ciudad Esperanza Iris dando vida a la Dra. Spellman, una psicoanalista que presenta personalidad múltiple.
El consultorio de la Dra. Spellman está escrito por el Alberto Estrella, quien se inspiró y dedicó la obra a Tere, ya que la considera un “ejemplo de lo que es la fortaleza y el amor al teatro”. Las ocho personalidades, “que van desde un sensual cubano, una reguetonera atrevida, hasta un alcohólico frenético o una mujer con delirio de persecución”, estuvieron pensados en los retos que enfrentaría la actriz al interpretarlos y en la acción que presta luego de sus 71 años de trayectoria profesional.
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| Homenaje a su actuación y activa participación de la primera actriz Teresa Selma | Foto: Trinidad Fernanda |
La historia tiene como fin hablar sobre la cordura y la locura, el límite que cruza entre la una y la otra al “entregar todo el amor para volvernos locos”. Si la propuesta dramática ya es interactiva cuando los pacientes que visitan el consultorio resultan ser proyecciones de la personalidad múltiple de la psiquiatra, lo que aumenta el dinamismo es el antídoto peculiar que usa Spellman en invitar al público a subir a escena y ser los creadores un monólogo más en la historia del teatro.
Estrella declaró identificarse con el papel de la doctora por su recorrido en “develar lo que para ella es la verdad y su propia verdad”, además de ser un personaje que tiene “varios matices”. Mientras que Tere recordó el sumo respeto que guarda hacia la medicina, pues cabe mencionar que también está especializada en psiquiatría por la Facultad de Medicina de la Universidad Nacional Autónoma de México.
“Tuve una crisis porque yo decía ‘cómo yo voy a dejar la medicina que puedo ayudar a alguien a hacer, aunque sea un poquito, con el sufrimiento humano por un mundo de ficciones’. Dejar una realidad tan cruenta. Al final dije ‘ni modo, es cuestión de vocación’. Me sentía culpable, pero cuando hay pasión hay definición –mencionó la actriz que dispone de una admirable capacidad memorial”.
Luego de una catarsis por escoger una carrera por la otra, finalmente Teresa Selma puede fusionar ambas y seguir curando vidas en la puesta en escena, dirigida por Andrés Tena, que se presentará como única función el día jueves 21 de julio a las 20:30 horas, en el Teatro Esperanza Iris. Los boletos, que oscilan entre los $200.00 y $150.00, pueden ser adquiridos en la taquilla del teatro y en las plataformas digitales de Ticketmaster.
Los colores de la ceguera
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| Myrna Moguel, directora, actriz, gestora, docente y coaching actoral | Foto: Trinidad Fernanda |
En conmemoración de los 15 años del surgimiento Teatro Ciego MX, en colaboración con TransLímite [alternativa-escénica], la directora Myrna Moguel presenta Cartografías de la memoria, una propuesta multidisciplinaria enfocada en el teatro documental y autobiográfico que aborda la construcción identitaria y las experiencias de Erika Bernal y Marco Antonio Martínez en su memoria y resiliencia como personas con ceguera.
Ambos performances son dramaturgos a lado de Ricardo Ruíz Lezama por aportar sus historias y narrarlas al espectador, cuyo fin es reflejar la importancia de dar voz a las y los protagonistas, creando un espacio de convivencia, sentir y recuerdos sin prejuicios ni estigmas. Además de ser ellos quienes realizaron la investigación audiovisual que ya ha sido presentada en línea en México y otros países, y de manera presencial en Colombia.
Dos contextos diferentes unidos por la causa de romper los clichés que devanan la ceguera ponen en escena la pregunta de “cómo nos entendemos en sociedad y cómo nos preguntamos sobre nuestra propia vida a través de lo que estamos viendo y de lo que experimentamos de la vida de la otra persona”, palabras de la artista transdisciplinaria, Myrna Moguel. De esta forma surgió el proyecto.
“Todo empezó cuando le pregunté a Marco ‘cómo sueñas’ y me contó que antes de quedarse ciego el soñaba en blanco y negro –sorprendió la maestra artística –, y cuando se quedó ciego empezó a soñar a color”. Por tal motivo, la invitada al foyer del teatro incitó a las personas en no dar por hecho las cosas, y compartió lo que Erika una vez le dijo: “la discapacidad la hace el entorno, no yo”.
La obra crea una fotografía en vivo que cuenta la vida escrita por sus actores e invita a entrar al mundo de las personas con discapacidad visual mediante sus miradas. La directora de la presentación recalcó el peso de romper todas las ideas preconcebidas para empezar con “qué es una obra con dos ciegos” y después tener una charla respecto al tema. La cita es del 21 al 31 de julio, los jueves y viernes a las 20:00 horas, sábados a las 19:00 y domingos a las 18:00, en el Teatro Benito Juárez.
¡Qué empiece la Guelaguetza!
El 16 de junio de 2022, el disco Orgullosa soy raíz cumplió tres años de ser presentada en el recinto Donceles por la soprano mixe, María Reyna González López, y el director orquestal, compositor y pianista, Joaquín Garzón Rivera, creadores de Ópera Mixe, un proyecto musical que combina los distintos géneros y estilos musicales del jazz, el bolero, el son y lo clásico y la rica variedad de lenguas indígenas mexicanas y la tradición oaxaqueña.
En esta ocasión, el teatro se une a la fiesta de la Guelaguetza, término que deriva del vocablo zapoteco guendalezaa y que significa “ofrenda, cumplimiento o presente”, y qué mejor forma de hacerlo con el retorno del concierto Tour orgullosa soy raíz, el cual fue suspendida por la pandemia del virus SARS-CoV-2. Sin embargo, lo que lo diferencia de los años en que logró presentarse es la armonía de la Banda Filarmónica Aires Serranos (integrada por oaxaqueños que viven en la CDMX) y el Ballet Sierra Juárez-Guelaguetza.
El repertorio de la destacada soprano nacida en Santa María Tlahuitoltepec, Oaxaca, cuenta con 13 canciones “en cinco lenguas originarias: náhuatl, mixe, maya, zapoteco y mixteco”, aunado al español. Orgullosa Soy Raíz, Madrecita, La Llorona, Así pasa la vida, El feo, Un segundo, Llámame, Guárdame esta flor, Savi, Ganas de vivir, Coincidir, Tlahuitoltepecanos y Dios nunca muere son piezas dedicadas a sus ancestros, a su madre, a la gente, a lengua Ayuujk, a sus hermanos oaxaqueños, a su cultura y a sus tradiciones.
“Yo inicié a cantar en mi lengua [mixe] porque mi madre no habla en español. Yo decía ‘cómo quisiera expresar mi sentir a mi madre cuando no está conmigo, cuando ella fue la que me dijo tienes que irte, tienes que buscar tus sueños; que detrás de las montañas hay otra vida, hay otro mundo que tú debes conocer’. Ahí fue la clave principal para conocer quién es María Reyna, para encontrar la voz de María Reyna –resaltó la cantante que estudió música en Guadalajara”.
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| María Reyna González, promovedora de la música en lenguas maternas de México | Foto: Trinidad Fernanda |
El propósito del concierto es motivar a las personas en reconocer y defender la diversidad de las lenguas indígenas desde las propias trincheras, en este caso, con la creación de canciones que elevan el sentir. Para María Reyna es importante darle el respeto a la comunidad y aprender a hablar la lengua como si fuera de uno mismo, mientras que su reto de cada día es que dichas comunidades digan “que lo hiciste muy bien”.
Este 16 de julio a las 19:00, bajo la dirección del mentor Joaquín Garzón, y en compañía de los músicos de Ópera Jorge Galindo, Jorge José, Carlos Bazán y Rodrigo Garzón, la cantante va a estar dando lo mejor de todo, aseguró, en el foro del teatro que los vio nacer, Teatro Esperanza Iris. Los boletos van desde los $350 hasta los $150 y pueden ser adquiridos en la taquilla del teatro y en las plataformas de Ticketmaster.
Les niñes también existimos
Ni tan chico, Ni tan Lejos es una obra que pretende dialogar con su público de 3 a 6 años, principalmente, en torno a la “importancia de jugar en compañía y crear nuevos universos”. Esto gracias a los objetos e imágenes que están seleccionados de manera cautelosa por un artista visual y que crea un mundo metafórico que logra conectar con la memoria del espectador.
A cargo de la compañía Flores TeatroDanza, que surgió en 2012 y se ha dedicado a realizar producciones para las primeras infancias y el público en general, la obra utiliza la danza contemporánea, el teatro físico y el clown (herramienta pedagógica que parte del cuestionamiento del ser en cualquiera de las fases de la vida y las reacciones del humano en estas, exagerando las características propias del personaje) para reflejar la reflexión de cómo les niñes miran y perciben el mundo en cada año de su existencia.
El juego empieza cuando dos personas se conocen y conviven en un espacio vacío que recuerda a una llanura y son guiados por el asombro, la curiosidad y la complicidad hacia el descubrimiento de imaginarios antes no vistos. Alejandro Chávez Flores, quien ha creado e interpretado en más de 30 coreografías, según la página oficial de la compañía, agrega que, a pesar de no ser el hilo conductor, la pieza abre el espacio para hablar sobre la identidad.
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| Alejandro Chávez Flores, creador e intérprete de Flores para los vivos que será presentada en la Sala Miguel Covarrubias de la UNAM | Foto: Trinidad Fernanda |
Por ello, el equipo Fernando Alfonso Lejía Flores y Alejandro Chávez realiza una investigación profunda acerca de la vida, la atención y los estímulos de los más pequeños de las familias, siguiendo la premisa de hacer visible el derecho al arte y la cultura, con el respeto y sensibilidad que orienta a la Red Latinoamericana de Creación Escénica para los Primeros Años, equipo que promueve la diversidad cultural por medio de compañías de Argentina, Brasil, Chile y México.
La invitación para “dejar ser libres a les niñes y dejar que se expresen” está abierta del 16 al 24 de julio, sábados y domingos a las 13:00 horas en el Teatro Benito Juárez. La entrada general está a $176.00 y un descuento del 50% a estudiantes de nivel básico, maestros, personas con discapacidad, trabajadores de gobierno y afiliados al INAPAM (credencial vigente).
Por otro lado, el miembro fundador del Colectivo Canino exhortó al público a presenciar Flores para los vivos, una obra que muestra a los recuerdos de la infancia como una semilla sembrada que da frutos a un altar de las memorias sobrevivientes en el presente. La puesta dará funciones los sábados 30 de julio, 6 y 20 de agosto, y los domingos 31 de julio, 7 y 21 de agosto a las 12:30 horas en la Sala Miguel Covarrubias de la UNAM.
Cuerpos en confrontación
Siete piezas de danza en busca de su mejor postor lo esperan en sus únicas cuatro funciones en el Foro A Poco No del 21 al 24 de julio, jueves y viernes a las 20:00, sábado a las 19:00 y domingo a las 18:00. Claro, hay condiciones, persona que “adquiera” la obra viva, persona que intervendrá en ella con una variedad de propuestas para “apropiársela”. Aquí la clave es preguntarse sobre los gustos y deseos individuales sin la atadura del dinero. ¿Te atreves?
La directora de Me rindo Producciones, Ana Patricia Farfán, presentó en la cita la propuesta que ha cuestionado sobre el valor de la danza más allá de lo económico desde el 2018 y que está dirigida al público que no está familiarizado con el género contemporáneo. La subasta del mov., crea una odisea entre la “subasta del arte y la experiencia escénica como arte invaluable” y que, al mismo tiempo, no se le remunera de manera justa a quienes la practican.
A partir de la ficción de una subasta, se muestra al espectador un catálogo de las obras que se ofrecerán a cambio de dinero ficticio, una paleta y un antifaz, en la puja conducida por un subastador. El desarrollo de la obra, de acuerdo con la directora, se desglosa de la pregunta “¿es posible apropiarse de una pieza de danza?”, donde la confrontación entre reconocer monetariamente el arte en una sociedad capitalista juega contra el impacto de cómo se percibe el cuerpo y el deseo.
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| Ana Patricia Farfán busca despertar la introspección sobre “a qué le damos valor” en una sociedad donde gobierna la oferta y la demanda | Foto: Trinidad Fernanda |
La “oferta” de los bailes es en distintos formatos, “que van desde una coreografía sobre gestos cotidianos hasta una versión anti-souvenir de la danza del venado, así como una obra inspirada en Francis Bacon”. ¿Hasta dónde llega la influencia del “mercado” en la sociedad para adquirir un producto? La competencia ha puesto una venda en los ojos que, en el caso de una obra improvisada, por ejemplo, “el público especula su valor antes de verla y la compra al tratarse de una improvisación que sólo ocurre una vez”, expresó Ana Patricia.
Finalmente, la forma de “poseer” una obra puede ser tomándole fotos o videos, bailando con los bailarines, parándose en el escenario o estar sentado observándola, sin que nadie esté presente, tal y como un objeto. Según la profesora de la Universidad de Anáhuac, aquí es donde la reflexión de la relación precio-valor florece y pone sobre la mesa las interrogantes “¿De quién es la danza?” “¿Cuánto cuesta hacerla?” y “¿Cuánto vale lo vivo?”.
